Revue À bâbord !

Les non-lieux de la culture

Normand Baillargeon, Eve Martin Jalbert — 2008-07-26T19:42:04Z

Dans La bulle d'encre, Suzanne Jacob écrivait que les arts proposent des « versions diversifiées du monde », « d'autres matrices de perception » qui donnent à voir « les espaces du possible, du non-advenu, du renouveau, des mutations », en somme « les espaces où nous pouvons continuer à naître ». Les arts nous permettraient en ce sens de percevoir que la « convention de réalité » qui assure notre survie dans le monde, auquel elle confère une cohérence, n'est qu'une « version » et que, si « tout peut être comme c'est », « tout peut ne pas être comme c'est ». Cette capacité de confronter ceci qui est et cela qui pourrait être est ce qui confère à la culture sa dimension proprement politique.

Loin de nous l'idée de formuler ici, quarante ans après le texte de Hannah Arendt, le constat d'une nouvelle « crise de la culture ». Peut-être que cette crise, après tout, n'est pas l'état d'exception, mais le mode d'existence même de la culture. Il semble en effet que la culture soit une affaire de résistance dans un monde qui n'est jamais tout à fait le sien, un monde que, en vertu de cette étrangeté et de son inappartenance foncière, elle vient problématiser en y posant le possible et l'impossible.

Cette proposition sur le non-lieu de la culture — c'est-à-dire le fait qu'elle n'a jamais vraiment sa place en vertu même de sa capacité à déjouer les nécessités — ne doit assurément pas justifier l'absence de politique culturelle au Québec, le sous-financement de la culture, la conquête des secteurs culturels par les puissances de l'argent ou l'élimination de la parole publique sérieuse sur la culture, remplacée par l'obligation impérative de la convivialité consensuelle. La dégradation de la qualité de la discussion radiophonique sur les arts et la pensée et la réduction des possibilités de l'expression artistique et intellectuelle procèdent manifestement de la logique qui fait dire aux élites dirigeantes et économiques, appuyées par les médias, que les choses ne peuvent pas ne pas aller comme elles vont. Ce qui se trouve nié ou rejeté par ce « réalisme » de la nécessité dont on ne pourrait que se divertir momentanément, c'est non seulement la force de résistance au consensus et la capacité de faire advenir le non-lieu, mais également la possibilité, pour n'importe qui, de sortir de soi et, au contact de la culture, de se mettre en marche, librement, contre cette prétendue naturalité du monde tel qu'il va.

La culture est un des lieux de cette possibilité. Tel est un des points de vue qui traversent les textes ici rassemblés. Il apparaît par ailleurs, dans ces pages, que la lutte pour la culture ne saurait se suffire à elle-même et qu'elle doive s'accompagner d'une critique du capitalisme et de quelques-unes de ses composantes, dont : la libéralisation des marchés qui, en vertu du modèle mercantile de la concurrence, de l'efficacité et de la rentabilité, « colonise » notamment le monde de la culture (Claude Vaillancourt, Ricardo Peñafiel, Jean-François Nadeau, Luciano Benvenuto) ; les « jeux d'équivalences du commerce mondial » auxquels la liquidation de la « culture savante » voue les œuvres de l'esprit au nom de la légitime liquidation des autoritarismes (Éric Méchoulan) ; enfin, l'accès inégalitaire et restreint au savoir et à la culture (Étienne Beaulieu, Léon Bernier). Si le diagnostic sur l'état des lieux est parfois inquiet, les pages qui suivent, par l'écho qu'elles constituent aux différentes préoccupations de notre temps, contribuent à faire en sorte que la lutte pour une culture de qualité et pour sa distribution égalitaire débouche sur le domaine de la politique.

Martin Jalbert

Une approche anthropologique

Marie-Hélène Côté — 2008-07-25T19:46:00Z

En français, le mot « culture » possède plusieurs sens, tous issus de sa racine latine : cultus, « action de prendre soin ». Par exemple, les agriculteurs « prennent soin » de la terre et exploitent son potentiel à travers un ensemble d'opérations appelées la culture. Les croyants « prennent soin » de leurs dieux et entretiennent leur relation avec eux par le culte. Les êtres humains « prennent soin » et développent le potentiel de leur corps et de leur esprit par diverses activités regroupées sous les termes de « culture physique » et de « culture de l'esprit ». Cette dernière catégorie est, elle aussi, polysémique, comme nous le constatons à la lecture du présent dossier consacré à la culture.

Les anthropologues, ces scientifiques fascinés par l'être humain dans sa totalité, ont amplement conceptualisé, étudié et défini la culture, celle que Le petit Robert définit comme étant : « L'ensemble des aspects intellectuels propres à une civilisation, une nation » et « L'ensemble des formes acquises de comportement ». Certains accordent plus d'importance aux manifestations intellectuelles, d'autres aux productions matérielles : il existe autant, et probablement plus, de définitions anthropologiques de la culture que d'approches en anthropologie.

Une définition anthropologique

Partons alors d'une définition anthropologique « de base », inspirée de celle d'Edward Burnett Tylor, l'un des fondateurs de l'anthropologie anglo-saxonne, lequel a proposé l'une des premières définitions de la culture dans les années 1870 : ensemble de patterns (de pensée, de comportements, de sentiments, de croyances, de modes de production et de reproduction, etc.) socialement appris et globalement partagés, à un moment donné, par un groupe de personnes formant un peuple ou une société.

De cette caractérisation anthropologique de la culture, il est important de retenir son caractère socialement appris et transmis, plutôt répétitif, de même que le fait qu'elle soit commune à un groupe de personnes partageant des origines et/ou un habitat. De plus, une culture n'est pas figée dans le temps, elle est vivante et sans cesse façonnée par ses membres. C'est pourquoi on associe une culture à une époque donnée : la culture québécoise n'est pas ce qu'elle était il y a 50 ans, non plus que la culture malienne, par exemple. Enfin, il faut souligner que les patterns ne sont pas totalement, mais plutôt globalement partagés par les individus, et ce, à différents degrés plus ou moins conscients. Cela est particulièrement marqué dans les sociétés modernes et les sociétés occidentales, où l'on observe davantage de sous-groupes et de déviants par rapport aux normes culturelles et moins d'uniformité de la culture que dans les sociétés traditionnelles.

Si d'autres disciplines étudient nos comportements culturels, intellectuels et esthétiques, l'anthropologie, science multidisciplinaire se penchant sur la diversité biologique et culturelle, tant dans le passé que dans le présent, est la seule qui offre un cadre conceptuel pour l'ensemble de l'expérience humaine. Elle se distingue par son approche globale et comparative : dans l'étude d'une manifestation culturelle ou dans la description d'une culture donnée (ethnographie), les résultats ne se baseront pas seulement sur l'examen d'une population, d'une époque ou d'un lieu, mais seront soumis à des comparaisons qui, de nos jours, ne visent heureusement plus à évaluer ou à hiérarchiser les peuples et leurs pratiques. En cherchant à cerner ce qui vient de l'héritage animal chez les humains et à expliquer la diversité des coutumes et des croyances entre les groupes, les anthropologues ont aussi fait ressortir les grandes similitudes existant entre les êtres humains, ce qui, en bout de ligne, a mené à l'élimination du concept de races.

Toutefois, avant d'en arriver à être cette science sociale « mature » et relativement objective, l'anthropologie a « galéré ». Motivés par les grandes explorations et influencés par les philosophes des Lumières, les premiers « scientifiques des cultures » concevaient celles-ci en termes de niveaux universels de progrès. Au fil des années, divers penseurs ont élaboré des théories d'évolutionnisme culturel, postulant qu'il existait différentes étapes de développement, de la sauvagerie à la civilisation, en gros, ou de cultures simples à des formes plus complexes et achevées. L'évolution culturelle a été longtemps liée à l'évolution de types biologiques ou de races. Ensuite, s'inspirant de la théorie de Charles Darwin sur l'évolution des espèces, certains en sont arrivés à des théories de darwinisme social où seuls les peuples les plus aptes, les adaptés, parviennent au progrès biologique et culturel. Les plus aptes et les plus évolués étant alors les Européens et les Nord-américains, ces théories ont amplement été utilisées afin de justifier l'impérialisme, le racisme et le capitalisme.

Le relativisme culturel

C'est au début du XXe siècle que certains anthropologues ont entrepris la remise en question des approches évolutives, des généralisations et des explications causales simplistes. Aux États-Unis, Franz Boas et ses étudiants ont développé la théorie du particularisme historique, postulant que chaque culture est le fruit d'un processus historique unique et doit être étudiée sous cet angle. Cette logique a contribué à la valorisation de la diversité culturelle et à l'abandon de la hiérarchisation des pratiques culturelles. Elle a aussi mené ses tenants à développer le concept de relativisme culturel et à préconiser les longs séjours d'étude sur le terrain, jetant ainsi les bases d'une anthropologie moderne qui n'a cessé de prendre de l'envergure et de la sagesse depuis.

Ainsi, le relativisme culturel, concept connoté de nos jours, est d'abord apparu en opposition à l'ethnocentrisme et en quête d'objectivité. Il propose de relativiser, de prendre une distance face à ses propres croyances et schèmes de pensée afin d'observer honnêtement l'Autre et sa culture, attitude essentielle chez un anthropologue sérieux. Le relativisme culturel en anthropologie n'est pas valorisation de toutes les pratiques culturelles ou acceptation des sacrifices humains et des mutilations génitales, mais plutôt ouverture, conscience et tolérance ; il pointe les biais culturels et non les biais moraux ou éthiques.

Enfin, il est vrai que la culture des anthropologues est très englobante, mais pas de manière telle qu'ils ne font pas la différence entre le théâtre d'été et une pièce de Shakespeare ! Ils reconnaissent que les grandes œuvres artistiques figurent parmi les meilleures productions de l'esprit humain, si bien qu'elles peuvent être universelles et édifiantes. Toutefois, les anthropologues estiment que la culture populaire représente un objet d'étude tout aussi valable et intéressant puisqu'elle est tout autant significative à l'étude et à la compréhension de l'être humain dans sa totalité, qui demeure l'objet d'étude et de fascination des anthropologues.

Marie-Hélène Côté

Divertir et le reste...

Léon Bernier — 2008-07-24T19:50:00Z

En apparence et sous sa forme la plus spectaculaire, la culture, au Québec, n'a jamais été aussi présente. Le cinéma québécois fait salle comble et gagne des prix à l'étranger. Céline Dion et le Cirque du Soleil font fortune à Las Vegas. Robert Lepage est devenu une sommité mondiale du théâtre, sans parler des divers groupes rock québécois qui, nous dit-on, font fureur à New York. De cela tout le monde parle et tout le monde se congratule, comme si ces succès témoignaient de la vitalité de la culture québécoise. De quoi témoignent-ils en fait, sinon que le Québec est une société moderne qui participe, comme les autres, à la mondialisation des marchés, dont celui de la culture ? Si l'on continue à s'ébahir de ces succès, n'est-ce pas d'ailleurs le signe que la société québécoise n'y est pas pour grand chose ? Autrement, ils nous sembleraient découler tout naturellement de choix collectifs plutôt que d'apparaître comme des miracles individuels ou des deus ex machina. Osons dire qu'en matière de culture, le Québec récolte ce qu'il ne mérite pas.

Que les médias en général ne parlent que des succès de masse ou de ce dont tout le monde parle se comprend tout à fait dans une logique marchande. On s'attendrait tout de même à autre chose de la radio-télévision d'État qui, pourtant, se distingue de moins en moins sous ce rapport et tend à devenir une réplique à peine plus sophistiquée de ce qui se fait dans le privé. On ne soulignera jamais trop la perte que représente l'abolition par Radio-Canada de l'ancienne chaîne culturelle. Elle n'était certainement pas parfaite. Elle négligeait plusieurs domaines artistiques dont la danse et les arts visuels, mais elle avait au moins le mérite de donner à penser. En devenant Espace musique, cette chaîne a précisément délaissé, en plus des autres domaines, tout ce qui, dans le domaine musical, pouvait exiger un peu d'effort et d'ouverture sur l'inconnu. Bien sûr, on y retrouve d'excellents concerts enregistrés et de bonnes émissions de jazz. Mais peu importe l'heure du jour, tout y est fait pour rendre la vie facile à l'auditeur. Tout y est enrobé de ce ton léger, enjoué, racoleur. Comme si le Québec entier n'avait plus qu'envie de rire, n'avait plus d'autre désir que de se faire dorloter.

Il n'est pas exclu que la culture, entendue ici comme ensemble des domaines de la création-diffusion-consommation artistique, puisse à l'occasion servir de baume pour l'âme. Tant mieux si elle le fait. Mais ce n'est pas sa fonction première qui est plutôt de questionner et donc éventuellement de déstabiliser. Du moins en a-t-il été ainsi jusqu'à maintenant. Serions-nous entrés dans une nouvelle ère où la culture serait vouée à ne plus être autre chose que du divertissement ? Pour une bonne partie de la population, toutes classes sociales confondues, c'est déjà sans doute le cas. À l'évidence aussi pour une partie des créateurs, qui se retrouvent à cet égard sur la même longueur d'onde que leur auditoire et se contentent, en toute satisfaction, de répondre à la demande et à la redemande. Dans ce monde du divertissement, qui est aussi celui des best-sellers, des festivals et des galas, c'est la sanction de l'auditoire qui prime. On y consomme une culture qu'on veut à peu près toujours la même mais en même temps toujours renouvelable. C'est une culture du jetable, où les vedettes instantanées valent autant que les artistes qui ont derrière eux plusieurs milliers d'heures de travail.

Même l'aide à la création n'échappe pas à la logique marchande qui imprègne désormais le monde de la culture. Auparavant, cette aide était destinée à permettre aux artistes de s'adonner en toute liberté à un travail que l'on savait pertinemment devoir échapper aux diktats extérieurs, notamment aux impératifs économiques. Aujourd'hui, une bonne partie de cette aide est accordée aux « producteurs culturels » pour faciliter leur insertion sur le marché, comme s'il ne s'agissait plus d'assurer au créateur de culture les conditions de son autonomie, mais au contraire de l'amener à considérer cette autonomie comme un luxe, sinon une prétentieuse imposture, alors même qu'il peut jouir d'un plein statut d'agent économique.

Il ne s'agit pas, loin de là, de dénier aux créateurs le droit de jouir, comme tout le monde, de conditions de vie décentes, ce qui n'est certes pas le cas aujourd'hui comme le montrent toutes les études. Dans une conjoncture où la création culturelle serait tout entière soumise à une logique marchande, il est loin d'être sûr, cependant, que tous les artistes y trouveraient leur compte, en particulier les plus intransigeants quant aux conditions de réalisation et de diffusion de leur démarche. Mais il faut surtout se demander ce que cela pourrait représenter par rapport au statut même de la culture.

Si une part de la culture est déjà partie prenante de la nouvelle économie, une autre part, sans doute la plus importante mais aussi la moins largement partagée dans la population, y reste étrangère. Nombreux sont en effet les artistes qui continuent d'actualiser une conception du travail artistique comme activité autonome, dont la justification sociale n'est pas à chercher dans la part d'audience rejointe, mais dans la fidélité la plus stricte aux exigences qu'impose une démarche authentique de création. Subsistent aussi des lieux de diffusion, dans tous les secteurs de la création, qui maintiennent, malgré les difficultés financières, une politique répondant à des critères strictement artistiques. Il existe encore également un public, dont le nombre est difficile à cerner, qui continue de fréquenter les œuvres exigeantes et les lieux qui les diffusent. Mais de plus en plus, cet espace autonome de la culture risque d'avoir à se définir comme espace de résistance. C'est ainsi qu'on a vu récemment des cinéastes intervenir à la défense du cinéma d'auteur face à l'hégémonie grandissante du cinéma commercial. Une résistance plus quotidienne mais non moins active existe du côté des librairies indépendantes qui, dans un environnement de grandes surfaces, s'efforcent de rester des lieux d'animation littéraire. On pourrait multiplier les exemples en évoquant notamment tous ces créateurs qui d'année en année maintiennent une pratique assidue, souvent sans véritable reconnaissance sociale si ce n'est celle de quelques individus parmi leurs pairs.

Quoi conclure sinon que la culture autonome, celle que nourrit la création authentique, ne va pas disparaître malgré tout, qu'elle reste même bien vivante, mais qu'elle risque de se retrouver de plus en plus dans des lieux pour initiés. Dommage pour la démocratisation de la culture.

Léon Bernier

Culture à vendre

Claude Vaillancourt — 2008-07-23T20:03:00Z

Les artistes produisant de grandes œuvres pensent rarement au marché. Leur travail se fait en fonction de hautes exigences, d'aspirations élevées, il exprime en profondeur – et souvent aussi avec légèreté – leur vision du monde et de la condition humaine. Leurs œuvres s'intègrent à un grand tout qu'on appelle la culture, avec laquelle se forme l'identité des peuples. Ces mêmes artistes seraient sans aucun doute surpris de constater comment leur art est traité dans les accords commerciaux internationaux.

La plupart de ces accords n'ont pas un grand sens de la nuance. Le libre-échange concerne en théorie tous les produits et services, sans que ceux-ci ne soient traités différemment, peu importe leur nature : les tomates comme les cours de français, les pompes hydrauliques comme les spectacles de danse.

Dans tous les cas, les principes sont les mêmes : il ne faut pas entraver la liberté du commerce – surtout pas par des lois « inappropriées » –, il est interdit de favoriser les entreprises locales, il faut éliminer les barrières tarifaires. Certes, la culture comporte une dimension commerciale : on paie pour un livre ou un disque, on achète un billet pour un spectacle qu'un producteur fait venir de l'étranger. Ce qui permet à certains d'en tirer de curieuses conclusions. Pour les négociateurs américains, par exemple, les choses sont claires : parler de culture, c'est d'abord et avant tout parler de commerce.

D'un strict point de vue commercial, la culture inclut à la fois des produits (un livre, un DVD, une revue) et des services (un musée, un spectacle, une conférence sur l'art). Lorsqu'on cherche cependant à savoir comment la culture doit être régie dans les accords commerciaux, il est bon de se référer à l'Accord général sur le commerce des services (AGCS), qui demeure le plus large et, très souvent, la référence lorsqu'il s'agit de libéraliser autre chose que des produits agricoles ou industriels.

Le casse-tête de l'AGCS

L'AGCS répartit les services en 12 secteurs. La culture y apparaît dans le secteur 10 intitulé « services récréatifs, culturels et sportifs ». Cette classification est en elle-même suspecte. Comment peut-on considérer la culture, avec ses œuvres riches de sens, au contenu parfois subversif, comme un « service » au même titre que le sport et les activités récréatives ? N'est-ce pas miner dès le départ sa valeur et sa signification ?

Mais la culture peut aussi se retrouver dans d'autres secteurs de services. Par exemple elle pourrait très bien s'intégrer au secteur 2 « services de communication ». Elle pourrait aussi être reliée à l'éducation (secteur 5), à laquelle elle s'articule inévitablement, et à la distribution (secteur 4) puisque les œuvres d'art doivent voyager. Si bien qu'on ne sait plus très bien où situer et comment définir cette culture, pas plus qu'on ne peut prévoir avec assurance comment elle sera traitée par l'AGCS.

Comme le dit Jane Kesley, professeure de droit à l'Université d'Auckland : « l'expérience unique et intégrée que les gens peuvent obtenir par l'acquisition d'un roman est, en fait, répartie en sous-secteurs qui touchent l'écriture, l'édition, l'impression, la publication, la photographie, la traduction, les agences de nouvelles, la publicité, la finance, la distribution au détail et le transport ! Lorsqu'on demande aux pays d'accorder le plein traitement national et l'accès au marché dans ces secteurs, on demande aux gouvernements de garantir l'accès sans entraves et les droits pour permettre aux compagnies étrangères de s'investir dans toutes ces activités. » [1]

On comprend désormais la difficulté de préserver la culture dans le cadre de cet accord et les incidences des libéralisations dans les différents secteurs. Dans le domaine de la culture comme dans plusieurs autres, les bonnes intentions d'un gouvernement risquent de se trouver piégées, en cas de conflit commercial, dans les méandres de l'interprétation de l'accord et par des jugements plus près de la lettre que de l'esprit de la part de l'Organe de règlement des différends (le tribunal occulte de l'Organisation mondiale du commerce). Pour éviter ces risques, une solution s'impose : il faudrait tout simplement que la culture soit exclue de l'AGCS.

L'ogre américain

Dans l'immédiat, la diversité culturelle est directement menacée par les accords bilatéraux, entre autres ceux conclus avec les États-Unis. Le Canada, grand défenseur de la diversité culturelle – mais aussi, n'ayant pas peur des contradictions, grand promoteur du libre-échange – est resté cohérent avec lui-même et a exclu la culture des accords signés avec Israël, le Costa Rica et le Chili [2].

Il en va autrement des États-Unis. Il faut comprendre pourquoi ce pays s'attaque avec tant d'acharnement au principe de diversité culturelle. Alors que dans tous les secteurs de l'économie, les États-Unis sont confrontés à un énorme déficit commercial, la culture reste la grande exception. Les produits culturels apportent un important surplus, avec des exportations évaluées à 80 milliards de dollars. Mais aussi, notamment par le biais du cinéma et des émissions de télévision, ils demeurent un véhicule de promotion de l'american way of life et des valeurs américaines, avec tous les avantages économiques et politiques que cette propagande cachée peut apporter.

Le juriste Yvan Bernier identifie un inconvénient majeur dans les accords bilatéraux avec les États-Unis [3] en ce qui concerne la culture. Après avoir fait le compromis d'accepter les quotas de contenu local et autres obstacles au commerce dans l'audio-visuel, les Américains gagnent en échange la soustraction totale du numérique à tout protectionnisme culturel. Les petits pays comme le Guatemala ou le Honduras sont alors doublement lésés : non seulement ceux-ci ne pourront plus protéger un secteur audiovisuel quasi inexistant mais, de plus, ils se privent à jamais de la possibilité de le développer. « Le grand bénéficiaire de ces accords dans le domaine culturel, nous dit Yvan Bernier, semble bien être l'industrie américaine elle-même qui n'a jamais manqué de souligner l'importance de ceux-ci, particulièrement en ce qui concerne les services transmis électroniquement. » [4]

Il ne faut pas croire que les pays plus aisés s'en sortent mieux. L'Australie, l'une des plus féroces zélatrices du libre-échange, a signé en 2004 un accord commercial avec les États-Unis. En contradiction avec sa position d'adversaire affirmée de la Convention sur la diversité des expressions culturelles à l'UNESCO, elle a tenu à préserver ses actuelles politiques culturelles, à la suite des pressions du milieu. Mais le résultat demeure très décevant. Il est désormais impossible pour l'Australie d'augmenter les quotas actuels de contenu local (qui déterminent la proportion de produits culturels nationaux à diffuser) ni de les élever à nouveau si un jour la décision est prise de les baisser ; et le gouvernement ne pourra pas passer de lois pour protéger le secteur stratégique des industries culturelles numériques.

Créer et vendre

Pour exister en tant qu'artiste dans le libre marché il faut vendre, et pour vendre il faut se plier à la demande. Comment les artistes d'aujourd'hui pourraient-ils, dans un tel contexte, résister aux pressions du marché et ne pas modifier leur travail en fonction des goûts passagers du public ? Baudelaire ou Van Gogh auraient-ils conçu leurs chefs-d'œuvres s'ils avaient créé selon la demande d'éventuels acheteurs ? La poésie existerait-elle aujourd'hui s'il fallait suivre les lois du marché ?

La convention internationale pour la diversité culturelle [5] adoptée à l'UNESCO est un outil précieux pour assurer la survie des cultures et une grande victoire contre la commercialisation de la culture. Cette convention vise à préserver, entre autres, « le droit souverain des États de conserver, d'adopter et de mettre en oeuvre les politiques et mesures qu'ils jugent appropriées en vue de la protection et de la promotion de la diversité des expressions culturelles sur leur territoire ». Par contre, elle ne protège pas les pays ayant déjà conclu des accords commerciaux incluant la culture.

Il faudra maintenant que les pays ne craignent pas de se l'approprier et qu'elle s'avère véritablement capable d'éviter aux différentes nations de subordonner la culture aux accords commerciaux. Mais il faut aussi que la culture demeure plus que jamais l'affaire de tous, des nations, des artistes et de l'ensemble des citoyennes.

[1] http://www.mcc.gouv.qc.ca/international/diversite-culturelle/nouvelles/nouvelles05-07-18.html

[2] Le gouvernement fédéral soutient également que la culture n'est pas négociable dans les négociations de l'AGCS.

[3] Les États-Unis ont conclu cinq de ces accords. Plusieurs autres sont en cours de négociation.

[4] Yvan Bernier, Traité de commerce et de diversité culturelle, simposio internacional DIVERDAD CULTURAL : el valor de la differencia, Santiago, Chili, 28-29 juin 2005.

[5] Pour mieux comprendre cette convention, voir « La diversité culturelle comme forme de résistance : une entrevue avec Louise Beaudoin », À Bâbord !, no 7, décembre 2004 / janvier 2005, pp. 29-30.

Claude Vaillancourt

Autant en emporte l'argent

Luciano Benvenuto — 2008-07-22T20:21:00Z

À l'origine, l'expression « industrie culturelle » désignait un concept critique élaboré par les sociologues de l'École de Francfort, dans les années 1950, afin de dénoncer le mouvement global de production industrielle de la culture sous forme de marchandise, et dont la tendance croissante ne pouvait que conduire à une culture sérialisée, standardisée, voire normative, c'est-à-dire à une culture de masse.

Peine perdue. Deux décennies plus tard, ce processus d'industrialisation de la culture tant redouté s'était généralisé dans toutes les sociétés occidentales, consommation de masse et culture de masse s'étant amalgamées au cours des années 1960. Dès lors, la production culturelle devint un secteur d'investissement de plus en plus convoité par le capital. C'est ainsi qu'au milieu des années 70, des économistes de Standford élaborent la nouvelle notion économique d' « industries culturelles » (au pluriel) pour désigner certains secteurs de la culture possédant un haut potentiel de rentabilité et d'expansion future, sous condition toutefois d'y appliquer une politique économique de production industrielle.

Aujourd'hui, après 30 ans d'application de cette logique « d'industries culturelles », on remarque les faits suivants :

• Les industries culturelles sont surtout orientées vers les mass-médias, leurs produits étant facilement reproductibles et naturellement dédiés à une consommation de masse (films, émissions télévisuelles, musique, livres, magazines, jeux vidéos, etc.).

• Les secteurs culturels ont subi une réorganisation en profondeur de leurs modes de production. Les sphères d'activités de création, de production et de diffusion ont été intégrées dans un étroit réseau d'interdépendance, donnant lieu à un premier niveau de concentration des industries culturelles, les plus gros éliminant la concurrence.

• La multiplication des canaux et moyens de diffusion (télé par câble, télé payante, magnétoscope, balladeur, CD, DVD et maintenant le web) relance la profitabilité des produits culturels en favorisant leur expansion.

• Les campagnes de promotion et de placement médias sont devenues essentielles à la mise en marché des produits culturels de grande envergure, par exemple les superproductions. Pour qu'un produit culturel de masse puisse atteindre son summum de rentabilité, il doit « faire l'événement » afin que tout le monde en parle.

Cette logique économique appliquée au domaine de la culture a pour effet d'écarter des produits qui, par leur forme d'expression innovatrice ou leur contenu critique, s'éloignent trop des normes commerciales définies par l'industrie culturelle qui privilégie et promeut surtout des produits normatifs grand public, profilés en fonction d'une consommation de masse et capables d'offrir une rentabilité à grande échelle.

Sous l'impulsion de l'informatisation et des nouvelles technologies, les industries culturelles sont aujourd'hui des vecteurs importants de croissance économique, et ce d'autant plus qu'elles sont projetées au coeur même des Technologies de l'Information et des Communications en tant que pourvoyeurs de contenu culturel et informationnel.

Luciano Benvenuto

Fétichisme et marchandisation de la culture

Ricardo Peñafiel — 2008-07-21T20:26:00Z

Quand il s'agit de cerner la place de la culture dans les sociétés capitalistes contemporaines, le recours au concept marxien de fétichisme de la marchandise peut être d'une grande utilité [1].

Par ce concept, Marx cherche à rendre compte de la façon dont la valeur d'usage des objets, les rapports sociaux relatifs au travail et la qualité du travail individuel investi dans ces objets sont subsumés par la seule valeur d'échange. La valeur d'échange apparaît alors comme la seule valeur, le seul fondement des rapports sociaux et la seule manière de produire et de faire circuler les produits du travail créateur de l'humanité : l'humain doit d'abord se transformer en marchandise pour pouvoir vendre sa force de travail ; la terre et les ressources de toutes sortes (énergie, connaissances, matières premières, etc.) doivent pouvoir se mesurer à l'aune universelle du référent monnaie, valeur ou marchandise ; l'activité créatrice (ou laborieuse) n'acquiert un sens qu'en fonction de l'échange qui donne sa cohérence à l'ensemble social ; la consommation conquiert la sphère des besoins et des désirs pour les contraindre à s'exercer prioritairement dans un cadre générateur de profit ; la science se donne comme perspective « universelle » l'instrumentalisation de l'humain et de la nature en vue du profit ; le politique tend à se définir sous un modèle mercantile de concurrence, d'efficacité et d'augmentation du PIB, au nom duquel les fondements modernes du politique, comme la souveraineté populaire, ou toute autre forme de volonté générale imaginable, n'ont plus lieu d'être…

La culture n'est pas isolée des autres formes d'activité humaine : les rapports marchands la contraignent également à fonctionner au sein de ces mêmes schèmes de génération du profit. Ainsi, le capitalisme n'élimine pas la musique populaire (comme le blues) : il la parasite de manière à ce qu'elle ne puisse pratiquement plus se réaliser autrement qu'en fonction des exigences du show business. En outre, il la contraint à n'exister qu'en tant que marchandise, de telle sorte que les autres formes de création musicale sont condamnées ou bien à la disette ou bien à la folklorisation (c'est-à-dire à une mystification bourgeoise de l'origine nationale à travers la pétrification et l'aseptisation des manifestations populaires du passé). L'amour de la musique existe encore mais, tendancieusement, il ne se réalise plus que sous une forme marchande. Le même raisonnement s'applique à la littérature, au cinéma, à la peinture ou aux créations picturales, etc. Une fois que la forme marchande prend valeur de l'ensemble du processus de création culturelle, des accords multilatéraux peuvent être signés pour « défendre » aussi bien que pour soumettre la culture aux réglementations internationales de « libres » échanges de biens, de services et de propriété intellectuelle.

[1] Karl Marx, Le Capital, Paris, Flammarion, 1985, p. 68 et suivantes.

Ricardo Peñafiel

Empire sur l'édition

Jean-François Nadeau — 2008-07-20T20:31:00Z

À l'heure où l'empire Quebecor met la main sur Sogides, le plus gros groupe d'édition et de distribution de livres au Québec, les puissants continuent d'opérer une véritable révolution conservatrice dans ce secteur. En effet, avec l'achat successif de la plupart des maisons d'édition bien établies depuis dix ans, des entreprises comme Bertelsman, Editis, Vivendi, Privat et désormais Quebecor contrôlent, dans une très large mesure, le processus de publication, c'est-à-dire l'ensemble des étapes permettant au texte d'un auteur d'accéder, de la meilleure façon possible, à une existence publique.

Quebecor possédait déjà les éditions Stanké, Libre Expression, Trécarré, CEC, Logique et quelques étiquettes populaires. Le conglomérat contrôlait en outre, depuis des années, son propre réseau de distribution. Ce réseau s'appuie principalement sur sa chaîne de librairies, Archambault, tout en comptant sur la collaboration plus ou moins révérencieuse de ses différents médias, à commencer par ses journaux et ses stations de télévision.

Avec l'achat de Sogides, Quebecor met la main sur les Éditions de l'Homme, les Éditions du Jour, l'Hexagone, VLB éditeur et Typo. Bref, elle acquiert un des meilleurs catalogues au pays. Mais elle s'empare surtout d'un fort réseau de distribution, celui des messageries ADP, qui exerce le contrôle réel en Amérique du Nord sur près de 125 maisons d'édition d'ici et d'ailleurs, dont Albin Michel, Robert Laffont, XO, Seghers, Belfond et le Robert.

Faut-il noter au passage que l'ancien propriétaire de Sogides, Pierre Lespérance, désormais patron de tout le groupe d'édition de Quebecor, est personnellement actionnaire (à hauteur de 20 %) de la chaîne de librairies Renaud-Bray ? Sa participation doit d'ailleurs d'ici peu grimper à 30 %. Âgé de 67 ans, ce jovial homme d'affaires, doublé d'un éditeur au grand flair, passe désormais une partie de sa vie en Floride à jouer au golf et à prendre soin de ne pas subir une nouvelle crise cardiaque. Entre les mains de qui, croyez-vous, ses actions de Renaud-Bray tomberont-elles lorsqu'il en aura assez de se dépenser pour des bouquins ? Alors que le paysage de l'édition québécoise n'a jamais été aussi concentré, inutile d'être grand génie pour comprendre qu'il pourrait l'être encore davantage avant longtemps.

L'édition subventionnée

Les études sur les origines du livre au Québec ont beau, depuis quelques années, se multiplier, il n'en demeure pas moins vrai que l'édition telle qu'on la connaît n'a guère existé en ce pays avant les années 1960, où elle commença à se configurer parce qu'une nouvelle génération d'écrivains mit en place une littérature enracinée faite ici pour des gens d'ici, avec l'aide de nouveaux éditeurs et critiques qui défendirent l'émergence de voix nouvelles, tant dans le domaine de l'essai, du roman que de la poésie. Depuis toujours, cet édifice éditorial tenait essentiellement grâce à des reconnaissances symboliques et idéologiques, sans véritable contrepartie économique – et c'est pourquoi on n'en finirait plus d'évoquer ici les aventures éditoriales périlleuses que menèrent, à bout de bras, des gens comme Victor-Lévy Beaulieu, Gaston Miron, Jacques Hébert ou Gérald Godin.

À vrai dire, l'édition au Québec ne fut un commerce relativement payant que durant la Seconde Guerre mondiale. Plusieurs éditeurs montréalais profitèrent alors de l'occupation de la France par les Nazis. Comme il n'y avait là-bas plus de livres ou presque, on les imprimait ici, à la va-vite. Parmi ces entrepreneurs de circonstance, on trouve entre autres Henri-Paul Péladeau, frère du fondateur de l'empire Quebecor. Péladeau frère se cassera la gueule comme ses confrères lorsque, la guerre terminée, Paris redevint Paris, c'est-à-dire lorsque les éditeurs recommencèrent à lire, à commander et à encourager la production de vrais livres plutôt qu'à se contenter de faire tourner les imprimeries à toute vitesse comme il le faisait.

Au XXe siècle, les taux de rendement dans l'édition n'ont jamais dépassé, au mieux, les 5 %. Et comme, au Québec, on considère qu'un titre se vend bien lorsqu'il atteint 1 000 ventes seulement, personne de la finance ne s'est jamais tellement intéressé à ce secteur... L'édition, ici comme ailleurs, est d'abord une affaire de passion et de cœur. Pour cette raison, il s'agit d'un des derniers secteurs culturels à être complètement colonisé par les grandes entreprises capitalistes.

L'édition au Québec correspond à la fois à l'expression d'une prise de conscience d'une société sur elle-même, mais aussi à un miracle de la subvention. Aucune maison d'édition n'existerait et ne survivrait longtemps si elle n'était pas soutenue par plusieurs programmes de subventions.

Les maisons d'édition reconnues reçoivent de l'aide financière du gouvernement du Québec (SODEC), du Conseil des Arts du Canada, du PADIE (Programme d'aide au développement de l'industrie de l'édition) et du programme de Crédit d'impôt. Toutes ces interventions étatiques sont fondées sur les chiffres d'affaire ou les chiffres de production des maisons. Seul le Conseil des Arts du Canada établit les montants de ses bourses en procédant à des évaluations réelles des ouvrages soumis par chacun des éditeurs. Pour l'essentiel, cela veut tout de même dire qu'il est tout à fait possible de produire n'importe quoi – à condition que ce soit canadien, plus ou moins bien mis en forme, puis relié – et de recevoir de l'argent de l'État pour le faire.

Les plus grosses maisons d'édition, celles dont les chiffres d'affaires sont déjà imposants, raflent l'essentiel des fonds publics destinés à l'édition en produisant beaucoup de titres à chaque année. Or, la majorité de ces maisons sont aujourd'hui la propriété de Quebecor. Cet empire peut, en principe, continuer de toucher autant de subventions qu'il possède de maisons en faisant valoir des « missions éditoriales » différentes pour chacune d'entre elles. Dans l'édition, on risque ainsi de se retrouver bien vite aux prises avec la même situation que pour les magazines : des revues très rentables sur papier glacé sont subventionnées grassement tandis que de petites productions, comme la défunte Recto Verso ou À bâbord !, ne touchent pratiquement rien, ou même rien du tout.

La concentration a surtout pour effet de produire ce qu'on appelle la « censure du marché ». Investir dans l'achat de maisons peu rentables suppose que ces maisons fassent tout de même l'effort de l'être au maximum. En clair, cela signifie la publication prioritaire d'auteurs connus ou de livres destinés à de larges segments de publics. Les risques pris en faveur de nouveaux talents ou de points de vue critiques sont alors réduits à leur plus simple expression.

C'est donc aux petites maisons indépendantes qu'incombe la tâche de prendre des risques bien que, paradoxalement, elles soient aussi les moins soutenues. Mais ce qui pourrait les faire vivre se trouve vite récupéré dès que le message peut s'avérer rentable. Les livres de Noam Chomsky en constituent un bon exemple. Introuvables en français durant des années, ils ont d'abord été publiés par de petites maisons militantes. Aujourd'hui, les livres du professeur du MIT sont publiés par des maisons appartenant à de grands groupes économiques, dont Fayard et Stock. Un autre exemple ? Les petits livres publiés par le mouvement ATTAC. Véritables succès d'édition, ces livres profitent pourtant d'abord et avant tout à l'éditeur, Mille & Une Nuits, propriété du groupe Hachette-Matra, c'est-à-dire un des plus grands fabricants d'armes au monde !

Par ailleurs, les grandes entreprises ont tendance à augmenter le nombre de titres publiés pour favoriser leur rentabilité. Le jeu consiste à lancer de plus en plus de bouteilles à la mer en espérant ainsi qu'on réussira au moins à en voir une arriver à bon port. En France, le nombre de livres publiés a ainsi doublé en une décennie pour atteindre 50 000 nouveaux titres en 2004. Au Québec, on compte désormais environ 5 000 nouveautés chaque année contre tout juste une centaine en 1960. Consé-quence directe de la surproduction : la cadence du remplacement des nouveautés en librairie s'accentue. Après moins de trois mois d'existence sur les rayons d'un libraire, un livre est désormais jugé vieux et se voit remplacé par d'autres, à un rythme purement industriel. Que faire avec les vieux livres neufs ? Jamais dans l'histoire autant de livres neufs n'ont-ils été pilonnés...

Colonisation du monde

Pourquoi un empire comme celui de Quebecor, après avoir conquis les imprimés, la télévision, le câble, la téléphonie et l'imprimerie, finit-il par s'intéresser à un secteur jugé depuis toujours comme incertain et pratiquement déficitaire ? Et pourquoi tous les grands groupes du « divertissement » finissent-ils par faire de même ?

Au fond, ces empereurs de la finance sont les colonisateurs d'un siècle nouveau qui estiment, comme ceux des siècles passés, devoir imposer partout leurs propres règles de civilisation simplement afin de s'assurer de leur prestige à domicile. Même les formes de contre-culture sont facilement récupérées par ces groupes qui savent désormais tirer leur miel d'à peu près n'importe quoi. Il en résulte une désensibilisation progressive du social et du culturel qui sont dès lors assimilés au simple statut d'engrenages économiques. La logique de pareille entreprise est de fonder son propre système écologique où tout se suffit à lui-même, à l'intérieur d'un vase clos. Dans cette fabrication du monde auquel se livrent les empires économiques, acheter des maisons d'édition ne coûte presque rien et peut rapporter beaucoup. Cela procure, d'abord et surtout, un pouvoir symbolique : un prestige lié au savoir, à la culture et à la mémoire. Mais cela rapporte aussi, dans un second temps, de l'argent. Comment ? Grâce au système de distribution, seul maillon vraiment rentable de la chaîne éditoriale. Et avec de l'argent, on achète encore autre chose, toujours selon une même logique colonisatrice...

Jean-François Nadeau

Multiculturalisme et politique de l'identité culturelle

Normand Baillargeon — 2008-07-19T20:51:00Z

A u Québec, le mot « multiculturalisme » est si lourdement chargé du poids des politiques fédérales portant ce nom, qu'on a pu oublier qu'il renvoie aussi à un profond débat philosophique et politique. Ce vaste débat traverse toutes les sociétés occidentales, où il met la neutralité libérale au défi du fait sociologique du pluralisme culturel (et religieux). Or, tout indique que nous sommes récemment entrés dans une phase de (relative) remise en cause des principes au fondement du multiculturalisme. Les questions discutées dans ce contexte sont si cruciales et difficiles que je devrai ici me contenter de simplement évoquer à grands traits le parcours des conceptions multiculturalistes, depuis leur élaboration jusqu'au moment de remise en cause que nous traversons.

On peut commodément comprendre le multiculturalisme comme une position théorique portant l'exigence d'une troisième vague de droits : aux droits politiques (ou droits libertés) reconnus à partir du XVIIIe siècle et aux droits sociaux (ou droits créances) reconnus plus tard, le multiculturalisme demande que l'on ajoute désormais des droits culturels.

Parmi les principaux facteurs historiques ayant conduit à la formulation de l'exigence de reconnaissance de droits culturels, on note généralement : une vague d'immigration massive débutant avec la fin de la Seconde Guerre mondiale ; l'entrée dans l'ère post-colonialiste ; les mouvements sociaux des années soixante ; le déclin de l'optimisme avec lequel on pouvait, hier encore, en appeler à des catégories universelles ; ainsi que la prise de conscience du fait que la neutralité libérale peut avoir un coût différent pour certaines communautés.

La position multiculturaliste soutient que l'État, le droit, nos politiques publiques, s'ils se veulent véritablement démocratiques et équitables, doivent aller au-delà de la neutralité, de la tolérance et de l'impartialité libérales usuelles afin de promouvoir activement la reconnaissance et la célébration des différences. Deux types d'arguments sont couramment invoqués pour soutenir cette idée.

Le premier est philosophique et soutient que contrairement à ce qu'assume un libéralisme désincarné prétendant s'appuyer sur la seule raison pour rejoindre l'universel, notre identité personnelle ne se construit qu'au sein de communautés et de relations communautaires. D'où la nécessité de les prendre en compte, de les reconnaître et de les protéger : tel est le sens de cette « politique de la différence » et de la « reconnaissance », théorisée par Charles Taylor et qui succède, en les complétant, aux politiques universalistes de l'égale dignité de droit.

Le deuxième type d'argument est éthique. Il soutient que l'acceptation des différences singulières est d'autant souhaitable qu'il serait logiquement impossible de faire autrement. C'est, dit-on ici, qu'on ne saurait prendre un point de vue de Sirius sur les questions morales et culturelles. Chaque culture épouserait des valeurs et des pratiques valables de son point de vue et il n'existerait pas de point de vue permettant de juger de la supériorité ou de l'infériorité de telles ou telles valeurs ou pratiques culturelles.

En pratique, de telles analyses ont conduit non seulement à la reconnaissance des droits culturels, mais encore à l'idée d'une citoyenneté différenciée et à la reconnaissance de droits à des groupes – et pas seulement à des individus. Elles ont aussi conduit à des aménagements de l'espace public et des politiques publiques. Par exemple, on pourra demander une exemption de certaines lois ou de certains règlements dans le but de préserver la culture d'une communauté ; ou encore, on pourra demander des lois ou des règlements restreignant la liberté des membres extérieurs à une communauté donnée de manière à en préserver la culture.

Mais, comme je l'ai dit, de telles politiques sont actuellement remises en cause. Contre la thèse philosophique évoquée plus haut, et tout en admettant qu'elle contienne une part non négligeable de vérité, on rappellera le fait que l'individu ne se réduit pas à ses appartenances communautaires. La culture qu'on acquiert c'est aussi, via l'éducation, ce par quoi on sort de la culture où l'on naît. Négliger cette distinction est lourd de conséquences pratiques, plus graves encore dans le cas de cultures qui ne sont pas libérales ou qui oppriment certains de leurs membres. C'est en ce sens que des féministes ont pu condamner certaines versions du multiculturalisme ; en ce sens encore que peut être comprise la récente mobilisation contre la possibilité de reconnaître en Ontario des tribunaux islamiques.

La deuxième thèse déboucherait sur de déplorables relativismes, tout à fait dans l'esprit du temps, mais fort contestables : relativisme de la vérité (à chacun sa vérité), relativisme des valeurs (à chacun ses valeurs). Le danger est alors que l'on perde de vue qu'il existe bel et bien des propositions qui sont irrémédiablement fausses et des éléments culturels qui ne sont absolument pas respectables.

On reproche encore au multiculturalisme son extension à des groupes de la catégorie de droits et sa propension à créer des ghettos plutôt que de favoriser l'intégration. D'aucuns arguent enfin, et cela mérite une sérieuse réflexion, que toutes ces « politiques de l'identité » et les combats qu'elles ont incité à mener ont largement détourné les progressistes et leurs énergies de questions et de combats très importants sur l'égalité et la justice économiques, tout en leur donnant l'illusion de remporter de grandes victoires quand, souvent, ils ne faisaient que s'enliser dans des luttes stériles.

L'égalité des droits, la liberté, la tolérance, l'impartialité, la protection contre l'arbitraire et la violence, la visée d'égalité économique sont des valeurs importantes et à défendre. La question qui se pose désormais est de savoir si – et éventuellement jusqu'où – le multiculturalisme permet de les défendre adéquatement, dès lors qu'il envisage la société comme une réunion de groupes définis par des cultures auxquelles il faut donner des droits et privilèges au nom du respect des différences culturelles. Vastes et difficiles questions, on le voit, sur lesquelles on me permettra de ne pas me prononcer et de conclure en renvoyant chacun et chacune à sa propre réflexion.

Normand Baillargeon

Renouveler l'enseignement de la culture

Étienne Beaulieu — 2008-07-18T20:54:00Z

Comment penser l'enseignement de la culture aujourd'hui dans une Amérique de plus en plus poussée vers ses penchants économistes ? Face au rabattement de la culture sur l'économie, il est nécessaire de rappeler que l'économie est elle-même une forme culturelle, mais aussi que l'accès à la culture ne saurait être contrôlé par la possession de capitaux. La gratuité scolaire doit ainsi demeurer l'objectif premier de toute action dans le champ culturel et de toute réflexion sur la répartition du bien symbolique qu'est la culture. Mais en même temps, cet objectif primordial ne doit pas faire oublier la raison d'être de l'enseignement de la culture, à savoir la transmission de contenus, qui se répartissent non pas horizontalement mais verticalement. Comment nier par exemple que l'œuvre de Shakespeare soit plus « élevée » culturellement que Star académie ? L'enseignement de la culture doit ainsi avoir en vue l'accès du plus grand nombre aux biens symboliques les plus élevés.

Cette façon de penser a pour but d'éviter deux écueils : d'un côté il s'agit de contrer l'aplanissement culturel absolu guettant le relativisme de nos sociétés et, de l'autre, de ne pas aggraver la radicalisation des hiérarchies culturelles. Pour éviter le premier écueil, il faut de façon urgente cesser de penser l'enseignement de la culture au plus grand nombre comme une restitution d'une culture de la masse à la masse elle-même, dans une pure et simple négation de la culture dite « élitiste ». Cette culture d'élite n'est en effet plus tenue aujourd'hui par une élite sociale, mais bien par une élite économique qui n'emprunte ses formes à la culture que pour s'en parer. Les exemples se multiplient aujourd'hui qui montrent que les acteurs de la culture dite d'élite rejoignent la population la plus large dans une pauvreté s'accroissant sans cesse et qui demeure, en conséquence, à la merci d'un mécénat privé ou d'état dont les exigences sont le plus souvent ignorées des mécènes eux-mêmes (les subventions des conseils culturels de l'État, par exemple, comportent en effet des critères discriminant explicites, mais aussi implicites et plus retors). Néanmoins, l'important demeure que la revendication d'une culture populaire contre une culture d'élite ou même « bourgeoise » n'ait plus aucun sens ou qu'elle n'en ait qu'un seul, économique en l'occurrence.

Cette régression du pouvoir de la culture d'élite ne doit pas non plus mener au second écueil, c'est-à-dire que cette culture doit éviter de sombrer dans la nostalgie qu'on lui connaît de plus en plus et qui va croissant avec le vieillissement de la population occidentale. Mais comment penser l'enseignement de la culture autrement que sur le mode de la résistance, la condamnant à un rôle de pure conservation culturelle ressemblant bientôt à une pièce de musée inoffensive et faisant souvent le jeu des pouvoirs et des puissances privées ? Car la culture est une affaire collective et son enseignement d'autant plus. Mais ce bien partagé qu'est la culture peut aussi départager ceux qui en font partie. Il y a en effet deux sens bien connus au mot « culture » : un sens horizontal, qui désigne les pratiques, les usages et les mœurs d'une société donnée, et un sens vertical, qui nomme le processus de civilisation menant à une culture dite « supérieure ». L'enseignement de la culture se débat depuis la Révolution française avec les paradoxes impartis à ce double sens, qui pousse à la répartition des biens symboliques (aristocratiques et cléricaux) au plus grand nombre pendant que celui-ci, de son côté, rejette ces biens symboliques comme les signes de son oppression historique. Ce dialogue de sourds est notre héritage démocratique.

Afin de faire croître cet héritage et au risque de faire grandir avec lui le malentendu qui lui est consubstantiel, il faut d'abord rappeler que l'enseignement de la culture n'est un véritable « enseignement » que dans la mesure où il ajoute à la culture horizontale une dimension verticale. Mais il est nécessaire ensuite d'agir. Et si l'action doit garder pour principe l'ouverture de la culture au plus grand nombre, elle doit surtout penser une culture dans laquelle l'élévation symbolique demeure possible pour tous. Afin de favoriser cette égalité des chances et que la chance en question offre une possibilité de s'élever au-dessus de la culture ambiante, l'action doit consister à mettre en place un dispositif permettant cette ascension culturelle aux démunis culturels.

Or, la solution se trouve dans le retour aux politiques éducatives inaugurées par la Révolution et développées par l'Empire, qui avait mis en place un système éducatif qu'il est urgent de repenser à neuf. Contre la seule chance des nantis et des bien nés, Napoléon 1er accorde (théoriquement) la chance au seul mérite dans ce système éducatif révolutionnaire qui s'appelle en France l'École Normale pour le plus grand nombre et l'École Normale Supérieure pour ceux que l'ardeur au travail et la volonté de servir la nation élèvent au-dessus la culture ambiante. Bien sûr, ce système est loin d'être parfait et crée à sa façon des inégalités, entre autres dans l'héritage culturel des normaliens qui engendrent le plus souvent d'autres normaliens, dans une concentration des bien symboliques de plus en plus dense. Mais ce modèle reste néanmoins le plus proche de l'enseignement idéal de la culture en ce qu'il permet théoriquement aux enfants des bourgs les plus reculés d'accéder à une culture supérieure non seulement gratuite, mais surtout rémunérée par l'État. Faire en sorte que ce modèle théorique se rapproche le plus possible de la réalité des politiques éducatives nationales est aujourd'hui la tâche de ceux et celles qui ont à cœur la solidarité sociale et la culture.

Étienne Beaulieu

Se réapproprier la culture

Éric Méchoulan — 2008-07-16T20:59:00Z

Le dressage des hommes par eux-mêmes est consubstantiel à leur espèce, mais la « culture savante » n'en est qu'une figure historique, lentement mise en place entre le XVe et le XVIIIe siècle. Il faut réaliser que la « culture » ne constitue pas une donnée objective et neutre, mais une instance historiquement circonscrite et politiquement déterminée.

C'est cette construction de la culture dont nous apercevons la fin. Le meilleur indice n'est pas sa disparition, mais au contraire sa dissémination anthropologique : tout est devenu culturel depuis les gestes de l'amour jusqu'aux identités d'entreprise, au point de vider complètement la notion de sa valeur d'usage. On mélange ainsi la culture comme valeur et la culture comme sens. La première mettait de l'avant critique et émancipation, supposant un plaisir singulier pris aux figures qu'on croyait universelles de la culture. La seconde mettait en scène habitudes et usages, impliquant une contrainte subie par chacun pour mieux construire son individualité sociale.

Or, il est devenu monnaie courante depuis les années soixante d'exhiber sous l'élégance des dispositifs culturels les jeux de distinction par où la culture servait de marqueur de « classe ». Le problème est que l'on a souvent confondu ce caractère politiquement élitiste de la culture de classe avec les enjeux esthétiques et critiques que promouvait aussi cette même culture. Liquider la « culture savante » sous prétexte qu'elle ruinerait le principe d'une égalité stricte entre les discours et les actes de chacun est un avatar du commerce mondial où toutes les marchandises sont vouées par définition à des jeux d'équivalence.

Il faut, en effet, mettre en rapport cette dissémination de la culture et le rejet de son versant esthétique avec le passage à une économie post-industrielle de services. Dans cette nouvelle donne sociale, l'important ne tient plus à la force de travail des ouvriers produisant des marchandises, mais à la relation de services qui s'y trouve impliquée. L'ouvrier était aliéné parce qu'il devait vendre ce qui constituait son être : son corps et son travail. Désormais, il s'agit de vendre son identité : son esprit et son style et, du coup, de se trouver encore plus aliéné alors même qu'on semble plus libre. Les valeurs esthétiques passent ainsi au compte courant des marques : les artistes signaient leurs créations afin que tout le monde puisse y trouver une jouissance et une formation singulières, maintenant les marques signent des marchandises produites en série par sous-traitance afin que chacun y révèle aux autres le partage de la même identité.

Pourtant, le développement de l'économie de services, puisqu'il met justement l'accent sur les styles personnels et les investissements singuliers, devrait aussi favoriser l'éducation et la formation de chacun. En ce sens, il n'y a guère de changement : le combat nécessaire porte sur l'accès à la culture, l'égalité des chances au départ. Pour autant, il ne faut pas confondre l'égalité des chances et l'équivalence des résultats. « Faire la différence » (au sens où Deleuze exploite l'expression), tel est le programme de toute culture de soi : acquérir l'art des nuances et le sens des complexités afin de mieux apprécier le monde tel qu'il va et les hommes tels qu'ils sont et non reproduire le spectacle identitaire de la marque qui nous signalerait seulement aux regards des autres.

Il ne s'agit donc surtout pas de rendre équivalents tous les points de vue. À l'information rapide de la politique journalistique, il faut opposer la lente formation de toute réflexion sur les actions des hommes. Dans la liquidation légitime de toute forme d'autoritarisme, on oublie souvent qu'il existe de justes emplois de l'autorité, qu'elle soit celle d'un paysan qui parle de ses champs, d'un ouvrier qui raconte son travail ou d'un historien qui explique le passé. « Faire la différence » consiste donc à composer les points de vue : non les rendre homogènes et cohérents, mais agençables jusque dans leurs discordances afin de mieux résister aux banalités ambiantes et au prêt-à-penser des pseudo-reportages.

C'est pourquoi si la lutte des classes est passée de mode (où serait aujourd'hui le prolétariat ?), le combat compliqué des riches et des pauvres continue sous de nouvelles formes. La culture peut en redevenir un enjeu réel, puisque c'est sur le terrain même de la culture que s'établit la nouvelle économie post-industrielle. Mais c'est à condition de nouer autrement le lien entre pouvoir et culture. Dans les temps modernes, la culture a eu partie liée avec les processus de civilisation et les formes de nationalisme qui ont ainsi permis d'ériger des identités collectives à l'ombre des grandes œuvres produites. Aujourd'hui, où le multiculturalisme apparaît comme le dernier avatar policier de ces mobilisations nationales (et non leur opposé) sous une apparence de neutralisation générale, il faudrait profiter de cet investissement économique dans les styles et les savoirs pour en détourner les flux et en parasiter les bénéfices.

Il est devenu courant, dans certains cercles d'historiens surtout, de saisir combien les individus parviennent à bricoler et s'approprier les formes et les figures mêmes de l'acculturation imposée par les dominants. Cela fait partie d'un topos (« lieu ») de la résistance et on doit en apprécier les réalisations effectives. Mais il est possible qu'un enjeu plus crucial disparaisse : voler à la culture dominante son inappropriabilité même. Le parvenu a, par définition, l'air de n'avoir pas réussi à s'approprier vraiment certaines formes culturelles. Le problème aujourd'hui est que la culture dominante a disparu. Ce qui domine ne se présente plus sous la figure de la culture, au contraire, et chacun peut s'approprier la nouvelle naturalité du divertissement sous la forme de jeux télévisés ou de pseudo-débats – réciproquement, pour notre divertissement généralisé, tout est appropriable : tsunamis, viols collectifs, pretzels du président Bush, jalousies de talk-show ou poésies de Miron. C'est pourquoi l'inappropriable prend une dimension inédite pour la culture. La culture anthropologique ayant été vidée de sens par dissémination et la culture esthétique privée de valeur par égalisation de tous les événements, toutes deux occupent désormais une position cruciale pour qui entend ne pas laisser la bêtise consensuelle mener les opérations.

Éric Méchoulan

Études françaises, Université de Montréal, Collège international de philosophie